Una mostra che si propone come indagine sulla tendenza contemporanea definita "€œpittura fotografica cinese"€ attraverso la selezione di circa quaranta opere di diciassette artisti compresi fra i trenta e i quarant"€™anni.

20 marzo - 22 maggio
Palazzo del Monte di Pietà , Piazza Duomo - Padova

Orario: da martedì a domenica 9.30 -13.00 e 15.30 -19.00, chiuso il lunedì.
Ingresso gratuito.

INAUGURAZIONE
sabato 19 marzo alle ore 18.00

Per informazioni:
Servizio Mostre e Attività  Culturali e-mail:
Il progetto è nato proprio dall'€™esigenza di mettere a fuoco momenti dell'€™espressione creativa di un paese, come la Cina, in continua evoluzione e crescita, che si confronta con l"€™esperienza e la storia europea, così come, più in generale, con la storia culturale dell'€™Occidente.

Tutte le opere in mostra sono riprodotte in un prezioso volume curato da Lorenzo Sassoli de Bianchi e pubblicato da Damiani Editore.

In questi primi anni del nuovo millennio, la scena dell'€™arte cinese contemporanea si presenta molto articolata; vi partecipano artisti così diversi per storia e per educazione da rendere vano ogni tentativo di racchiuderla in una definizione unitaria che possa valere per tutti i suoi aspetti.

[...] Così come il popolo cinese si occidentalizza solo in apparenza, mentre nella sostanza mantiene le proprie prerogative caratteriali e culturali, anche l"€™arte cinese contemporanea, pur guardando, con interesse, alla storia dell'€™arte occidentale e accogliendone molti stilemi, ne trasforma il linguaggio in una originale fusione tra Asia e Occidente, sviluppando così una assoluta originalità  di stile e di contenuti. Nel momento in cui la Cina si apre al mondo come una paradossale combinazione tra tradizione e novità , gli artisti cinesi manifestano un"€™energia creativa piena di immaginazione che poggia, però, sempre su una grande consapevolezza culturale riguardo al proprio passato e alle significative trasformazioni del presente. (Lorenzo Sassoli De"€™ Bianchi, curatore del volume)

Cosa vuol dire comunicare con il pubblico? Qual è il ruolo della parola e dei gesti? Come fa l'attore a mettersi in relazione con gli spettatori? E come può emozionare e coinvolgere senza abusare della propria posizione?
Marco Paolini è nato a Belluno nel 1956. E' autore, attore e regista. Il suo ultimo spettacolo teatrale è Il sergente, un omaggio a Mario Rigoni Stern. Chiara D'ambros, che ha già  parlato del teatro di narrazione nelle pagine di PadovaCultura, ha seguito a lungo Marco Paolini nei suoi spettacoli e ha avuto modo di intervistarlo nel 2003 al Teatro Civico di Schio, durante le prove per i racconti preparati per la trasmissione televisiva Report.
Questa intervista è un contributo prezioso per capire meglio un modo diverso di fare teatro, attraverso il punto di vista di un grande narratore.

Dicevi che in questi giorni stai "mastegando" i racconti. Mi parli di come ti metti in relazione con il pubblico, del tuo ascolto del pubblico?

In generale, più si è insicuri, più si prova a dominare il pubblico. Chi ha un atteggiamento domatorio fa così perché non ha un altro modo di tenere la situazione sotto controllo: è come nell'illusionismo dove tutto è fondato sul fatto che non si deve spezzare mai una catena, e quindi c'è una carica, una suggestione. Io da ragazzo ero, credo, più portato a quel tipo di atteggiamento: a dominare il pubblico. Con l'età  e con l'esperienza c'è sempre meno bisogno di fare, perché si è, e quindi pian piano ho imparato che i meccanismi per reggere l'attenzione non sono solo di tipo attivo ma sono anche passivi: sono meccanismi di ascolto, che producono comunque un filo, un'empatia, un qualcosa di vivo tra chi fa e chi è lì per ascoltare. Di solito in un racconto nuovo ho bisogno... Quando racconto le prime volte in pubblico scopro delle cose, cioè scopro le reazioni. Una parte dell'attenzione è rivolta all'ascolto. Altrimenti faccio una cosa, che sembra banale ma non lo è: mi registro e in un secondo tempo mi riascolto. Evidentemente la percezione che hai mentre fai una cosa è diversa da quella che hai riascoltando. Io per esempio mi annoio riascoltando, quindi è meno positiva come percezione, mentre è più interessante e più intenso quello che si riesce sentire facendo. Senza esagerare, perché non puoi fare lo spettatore, o il regista: devi fare l'attore che ascolta. E le cose che si ascoltano per le prime volte sono così stupefacenti... per esempio il silenzio, oltre all'applauso, la risata, l'intensità  dell'ascolto danno delle grandi emozioni e insegnano tantissimo. Ti insegnano la strada giusta per raccontare una cosa, perché sicuramente ce n'è una più giusta delle altre. Quando pian piano hai trovato quella strada, ci sono ancora delle variabili. E' come la strada di casa, da casa al lavoro: puoi ancora trovare dei pezzi che non hai mai fatto oppure ci sono dei cambiamenti, ma hai imparato a fare così bene quella strada che camminando puoi leggere in giornale o fare delle altre cose. Ecco, in qualche modo accade un po' anche questo: posso concentrarmi su una nota o su un dettaglio o su un'immagine, posso concentrarmi sul viso di una persona. A volte si dialoga con pochissime persone in mezzo alle altre, per piacere, per sfida o per dispiacere, ma io credo che sia proprio un esercizio di vitalità  che fa sì che siccome le facce cambiano, così come cambiano i luoghi, è difficile che si faccia una replica di qualcosa che si è già  fatto. Per quanto riguarda i racconti, che si fanno sempre guardando in faccia il pubblico (a differenza degli spettacoli che hanno la quarta parete, dove l'interpretazione ti fa staccare dal pubblico), io ho bisogno di parlare e quindi per me la variabile pubblico, assieme alla variabile luogo, sono sicuramente qualcosa che condiziona, ma condiziona di più per esempio la musica, il ritmo di quello che faccio, l'esecuzione, di solito non il contenuto. Per me è molto interessante cercare di non lavorare troppo e solo nella ricerca del consenso del pubblico, perché è chiaro che va bene che c'è anche quello, ma non puoi giudicare il tuo lavoro sulla base del consenso, se no ti fai una specie di parallelo dell'auditel, che poi ti frega perché non è detto che... per esempio questi racconti qua non sono accattivanti, e io soffro un po', perché sto muovendomi su cose che sono diverse da quelle che farei io. Di solito sono cose vive. Qui il pubblico è così lontano che io non sento nessuna reazione e anche dal pubblico si percepisce questa cosa: non sento ridere, non sento sospirare. Non so se le donne, a storie così maschili, sentono oppure si staccano, e allora la presenza è come un dialogo. Per questo i primi spettacoli li faccio sempre con tutto il pubblico visibile, molto vicino. Solo quando conosco bene lo spettacolo posso allontanarmi. A volte resto lì, ma aumentano gli spettatori, così i primi sono vicini come i primi delle prime volte, e gli ultimi sono lontani. Quei venti metri di distanza sono... tanti!

Hai fatto spettacoli diversi in luoghi diversi: mi parli della relazione con il luogo in cui viene fatto lo spettacolo e come il luogo può cambiare il linguaggio?

Cambia, in due modi. Da una parte si possono usare i luoghi come dei set cinematografici, quindi usare quello che ti offrono come scene naturali, come quando lavori in una stazione dei treni o su una diga oppure in un campo da rugby. Dall'altra si può lavorare nei luoghi e in questo modo invece di dover descrivere, per esempio invece di descrivere un campo da rugby, invece di evocare come faccio di solito, agisco dentro la cosa. Quindi devo asciugare tutta l'enfasi che di solito serve per creare il luogo, perchè so che ce l'ho già  dietro. Devo essere più asciutto, più concreto, perché agisco dentro una cosa che gli altri già  vedono. Invece è diversissimo il fatto di esplorare altri territori facendo teatro nelle scuole e in luoghi non teatrali. E' faticoso perchè in questi posti trovi la gente che di solito non va a teatro. E' un modo di togliersi la pigrizia: invece di essere solo scelti si va con il rischio di scegliere qualcuno.

Perché è così importante essere vicini al pubblico?

Lo dicono già  i maestri del teatro, Stanislavskj e tutti gli altri: l'attenzione è un fatto di cerchi, cerchio piccolo cerchio medio e cerchio grande. E' inutile cercare di governare un cerchio grande di spettatori se sei capace al massimo di reggere il cerchio piccolo. Io adesso sono capace
di fare il teatro davanti a due o tremila persone. Ho imparato, all'inizio me la sarei fatta addosso. Poi invece scopri una regola dei grandi numeri, che mille persone si comportano come una mentre cento si comportano come cento. Quindi è più facile far ridere mille che cento, questo lo sanno tutti i grandi comici. Invece per quanto riguarda il mio lavoro, che non è fondato sul consenso e sulla risata ma anche su meccanismi come: "capiranno?", ho bisogno di sapere se interagire più o meno. Prima di fidarti a farlo davanti a mille, devi aver imparato gli stessi meccanismi che servono a una maestra a governare una classe di quaranta alunni invece che una di venti. Diventi bravo nel tempo: non credo che ci siano scorciatoie per arrivare prima a conquistare l'attenzione di un grande pubblico. Tutti i grandi predicatori prima sono stati parroci di campagna, più o meno.

E per quanto riguarda il linguaggio, il ritmo di cui parlavi prima, la sonorità  delle parole?

Il linguaggio è musica. Quindi occorre sia imparare a suonare la musica già  scritta, le poesie, i testi, la letteratura, sia imparare a improvvisare, cioè a suonare come nel jazz, e per me sono due musiche molto diverse ma mi piace l'idea di usarle tutte e due. Quando uso le parole degli altri cerco di suonare come nella musica classica, quando uso le mie posso improvvisare di più. Ma sempre se stai scrivendo, componendo o anche a volte suonando le parole degli altri bisogna ricordarsi di non usare troppe note e di non usare troppe parole, non è bella la musica se ha troppe note. Lo sai? Ti intendi di musica? Se un musicista, un compositore scrive con troppe note... se un jazzista mette dentro troppe robe è fumo negli occhi. La buona musica ha poche note e anche chi fa teatro deve imparare a usare meno parole possibile.

In che senso? Questo influisce sull'ascolto?

La poesia insegna a risparmiare sulle parole, la poesia è anche sintesi. Quando racconto tendo ad accorciare, e una volta che ho accorciato posso, per esempio, allungare un po' le pause, i tempi. Però puoi allungare un po' le pause e i tempi solo quando hai già  tolto tutte le parole che dovevi togliere, perché per me la cosa essenziale è riuscire a dire una cosa nel modo più semplice e con meno parole possibili. Gli aggettivi, per esempio: meglio uno, perchè se si scrive si sopportano due aggettivi, se si parla no. I verbi a volte si possono alterare, le frasi a volte possono essere lasciate incomplete perché è così sott'inteso quello che viene dopo che basta un tuo gesto a completare la frase e spesso il teatro è questo, un'integrazione tra i gesti e le parole che porta lo spettatore alla cosa, perché viene chiamato a finire la frase. Una frase può iniziare con una parola e finire con un gesto. Anche chi scrive fa fatica ad immaginarselo se non conosce bene il linguaggio della scena, per cui spesso gli scrittori, non fidandosi degli attori, mettono troppe parole. Bisogna a volte toglierne qualcuna.

E per quanto riguarda la parte emozionale in quello che racconti o in quello che fai?

Bisogna non essere prigionieri delle emozioni che si vivono, perché bisogna provocarle negli altri, non viverle in maniera privata. Una certa corrispondenza c'è, ma non è vero che l'emozione che vivo io è quella che passa a loro; io devo provocare in loro l'emozione, ma il modo in cui ci arrivo potrebbe essere sia attraverso la stessa emozione che vivono loro, sia attraverso un'altra roba. Il modo in cui ciascuno riesce a fare questo è un po' il segreto di ogni attore. Io non so come fanno gli altri, e del mio modo non parlo mai.

Mi parli del tuo corpo in scena?

Ah! Fa ridere, no? Non ho un corpo eroico io, ho un corpo antico. "L'attore è un corpo antico fondato sul lavoro" ho detto una volta da qualche parte. Lavoro che ti fai addosso. Ti ricordi Gelmino Ottavini che dice che nel tempo tutte le doti che non hai sviluppato si seccano? E tu sei solo quello che hai imparato a fare? Vale anche per il corpo: il corpo impara a fare, a essere quello che tu gli hai insegnato a fare. Avresti voluto ballare, avresti voluto suonar la chitarra, avresti voluto essere... Il corpo nel tempo si ricorda: stare sulla scena è come nuotare, andare in bicicletta, per cui quando sei giovane devi imparare un movimento, studiarlo. Io imparavo anche a fare sequenze complicate di movimenti perché a teatro si studia anche questo, come nella danza. Adesso è come se non ci pensassi più, è come se lo lasciassi fare, mi devo un po' fidare e lui... Io-lui, non è che parlo con il mio corpo come se fosse un altro, ma so che ormai la gestualità , per il tipo di cose che faccio quando racconto, c'è e non la devo cercare più di tanto. Chiaro che se devo mettermi a fare un lavoro su qualcosa che è completamente nuovo, come un personaggio, non posso fidarmi che i gesti e che quindi il corpo parli nello stesso modo.

Anche se la parola è dominante, è importante la presenza del corpo?

Sì, perché la parola è sempre il prolungamento di un'azione fisica e l'attore... il corpo è la somma delle azioni fisiche che fai ma è anche la cosa più evidente. Non può contraddire quello che stai dicendo il corpo. Un corpo a sacco, un corpo abbandonato rende debole quello che stai cercando di dire con intensità . Allo stesso modo un corpo che si muove in maniera nervosa innervosisce. A volte ci sono dei gesti che mi scappano, io so che mi tocco la testa, o mi accorgo che ci sono dei gesti che non ho controllato, sono scappati. Succede, ce n'è un tot di gesti casuali, su alcuni lavoro per cambiarli; altri so che faranno parte dello stereotipo di come sono io per gli altri: ormai chi mi conosce di più sa che faccio certi gesti, certe cose, mi prendono anche in giro per questo.

Dici diverse volte, in Vajont, o in Parlamento chimico: "Un po' di teatro lo devo mettere per tenervi svegli". In che senso?

Scherzo sul fatto che una parte di quello che faccio è poco teatrale, però in realtà  quando dico "metto un po' di teatro" intendo dire "metto un po' di spettacolo". So benissimo che tutto quello che faccio è teatro, se no non lo farei.

Qual è il tuo intento nel fare questo tipo di teatro di racconto?

Non lo so. Lo faccio, questo è importante.

Spesso il mantenimento dei ruoli sociali va a scapito delle relazioni o dei contenuti delle relazioni stesse. In questo senso il ruolo di narratore che assumi in scena può subire il pericolo di sovrastare i contenuti oppure si mette al servizio dei contenuti?

Il rischio c'è sempre, perché quando scopriamo che uno sa fare una cosa, siamo abituati a dargli molto potere. Chiunque si trovi in una posizione pubblica come la mia può abusare della sua funzione, e l'abuso della funzione del narratore è il demagogo. La demagogia è l'intortamento, cioè è subire il potere e il fascino di chi manipola gli eventi e riscrive le storie senza avere un senso etico di ciò. Quando svolgi un ruolo pubblico sei come un medico: sei capace di dare vita o morte, magari non alle persone, ma alle cose: devi stare attento all'uso che ne fai. Non credo che ci sia una ricetta per salvarsi o salvare quello che fai. Credo che ultimamente il rischio di fare una
puttanata ci sia e ci sarà  sempre. Bisogna essere svegli, se ci si addormenta si fanno puttanate.

settembre 2003
Schio, Teatro Civico

a cura di Laura Lazzarin

Il sito di Marco Paolini: http://www.marcopaolini.it

Sono diventate tre le rubriche che raccolgono i contributi originali della redazione di PadovaCultura: per averle tutte sotto'occhio abbiamo creato la sezione Rubriche
Con queste interviste cerchiamo di "tastare il polso" alla vita culturale cittadina, dare visibilità  ad artisti ancora poco noti al grande pubblico, senza trascurare quelli più affermati.

Le tre rubriche finora attivate sono:

Fermenti culturali
Non solo monumenti e musei: la cultura di una città  è fatta anche e soprattutto di persone, che hanno idee e passione. Con questa convinzione abbiamo creato la rubrica "Fermenti culturali", in cui vogliamo presentare gli artisti di Padova: coloro che, con le loro idee, la loro passione, i loro "€œfermenti"€, rendono vivace la vita culturale della città .

Appunti foresti
Padovani che ritornano, stranieri che passano. Preso in prestito dallo spettacolo di Marco Paolini, "Appunti foresti" è il titolo della seconda rubrica di PadovaCultura : una specie di diario di viaggio di chi è partito da Padova e di chi a Padova ci viene in visita, lasciando un pezzetto della sua storia.

Presenze
"Presenze" nasce per far conoscere le numerose, e diversissime tra loro, realtà  associative del territorio padovano: gruppi e associazioni culturali come luoghi di diffusione, e spesso anche di produzione, di cultura.

Primo appuntamento con la serie "Racconti di donne". Le fotografie dell'artista bolognese Matilde Montanari indagano i rapporti fra ambiente e sfera privata, la normalità  del quotidiano e l'opportunità  di interagire col reale fino a produrre immagini magiche, libere e senza tempo.

12 febbraio - 26 marzo
Galleria Sottopasso della Stua - Largo Europa, Padova

Orario: da lunedì a sabato 11:00 - 13:00 / 15:00 - 19:00
Chiuso la domenica. Ingresso libero.

INAUGURAZIONE
venerdì 11 febbraio alle ore 18:30

La mostra
L'artista
Informazioni

La mostra

La mostra è frutto di un percorso interiore di carattere autobiografico teso a raccontare e ad analizzare spazi domestici e privati. La fotografa bolognese esprime così sensazioni ed emozioni nate dentro i propri ambienti quotidiani, attraverso descrizioni interiori e personali.
Entrando in punta di piedi in un privato altrui - quello appunto di Matilde Montanari - lo spettatore è chiamato ad osservare attentamente gli innumerevoli particolari che accompagnano la vita di chi abita quelle stanze ridondanti e private. Scorrendo le foto dell'artista si avverte, infatti, l'importanza di raccontare, prima a sé stessa e poi ad altri, gli spazi vitali e gli ambienti in cui si sono susseguite le sue esperienze intime e indimenticabili, quale espressione di affetti e nostalgie.

Non è casuale, quindi, che ad un primo sguardo, la figura femminile non sia immediatamente intuibile in quanto chi osserva è richiamato da un esterno caotico e rumoroso all'interno di stanze accoglienti che parlano e profumano della vita di chi le abita.

Lentamente la percezione di questo ambiente saturo si affievolisce lasciando spazio ad altre immagini attraverso atmosfere languide e malinconiche. Lo sguardo, allora, corre fra oggetti, colori, specchi e divani, fino a intravedere la figura nuda, discreta ma consapevole, percepibile più che visibile; ed è proprio in questa prospettiva che lo spazio fotografato, così ricco di dettagli, risalta in primo piano, esaltando e definendo, sulla scena, la presenza femminile.

Il tempo, nelle immagini di Matilde Montanari, scorre in due dimensioni parallele, quella dell'osservatore e quella immobile e pensosa della donna ritratta mentre vive la sua esistenza e i suoi ambienti domestici come se nessuno la stesse osservando. La casa gialla continua ad esistere e a vivere, custodendo la giovane donna fra i suoi colori e i suoi profumi, bloccata in una dimensione immortale, mentre lo scorrere del tempo ne invecchia il corpo, e ricopre di polvere tappezzerie e ricordi.

͈ secondo questa prospettiva che gli autoritratti della Montanari risultano essere l'ideale strumento per rappresentare la dualità  dello scorrere del tempo, l'interazione fra oggetti e atmosfere domestiche, rendendo superflua ogni altra presenza che non appartenga al proprio suggestivo quadro autobiografico.

L'artista

Matilde Montanari, nata a Bologna nel 1979, si rivela al pubblico presentando nel 2000, a Trebnitz (Berlino), il suo lavoro Effetti collaterali, opera riproposta l'anno seguente a Verona.

Il suo lavoro indaga i rapporti esistenti fra l'ambiente e gli accadimenti privati; la stretta connessione che lega il privato al comune disagio frutto di relazioni sociali sempre più rarefatte e invasive, potenzialmente pericolose.

Compie uno studio sistematico sulla normalità  del quotidiano e la possibilità  di agire sulla realtà  fino a giungere alla messa in scena di atmosfere oniriche e sognanti, la ricostruzione di dimensioni magiche e surreali, libere e senza tempo. Elementi fondamentali di questi racconti sono i colori e le forme che li delineano, partendo dal punto di vista volitivo e prospettico dell'autoritratto.

Con uno di questi lavori, Proiezioni di un desiderio, vince nell'estate del 2003 il Premio Portfolio Giovane Fotografia in Italia e si classifica al secondo posto del Premio Le Logge del TFF. Nello stesso anno partecipa alla mostra collettiva Quelli di Franco Fontana a Massa Marittima.

Sempre nella città  toscana nel 2004 espone il progetto Proiezioni di un desiderio, nello stesso anno con il medesimo lavoro partecipa alla collettiva Nudi fuori a Bologna e al Portfolio Giovane Fotografia in Italia a Modena, Padova e Berlino.


Mostre personali

Proiezioni di un desiderio, Galleria Sottopasso della Stua, Padova, 2004.
Proiezioni di un desiderio, TFF, Massa Marittima, 2004.
Effetti collaterali, Centro culturale Malacarne, Verona, 2001.

Mostre collettive

Nudi fuori, Galleria Studio Ercolani, Bologna, 2004.
Portfolio giovane fotografia in Italia, Galleria Kunsthaus Tacheles, Berlino, 2004.
Portfolio giovane fotografia in Italia, Galleria Sottopasso della Stua, Padova, 2004.
Portfolio giovane fotografia in Italia, Galleria Civica di Modena, 2003.
Quelli di Franco Fontana, Castello di Monteregio, Massa Marittima, 2003.
Effetti collaterali, Trebnitz (Berlino), 2000.

Informazioni

Mostra promossa dall'Assessorato alle Politiche Culturali e Spettacolo - Centro Nazionale di Fotografia del Comune di Padova, a cura di Enrico Gusella.

Segreteria della mostra: Tiziana Piovan, Andrea Gaspari, Francesca Zonta.

Per informazioni:
Centro Nazionale di Fotografia
via Isidoro Wiel 17 - 35127 Padova.
Tel. +39 049 8721598 / 049 8722531
fax +39 049 8721598
e-mail: gusellae@comune.padova.it

A febbraio due appuntamenti. Il primo è dedicato alla goliardia: una ghiotta occasione per assistere a seriose concioni! Il secondo è invece dedicato alla spesa sanitaria.

16 e 23 febbraio ore 17:30
Sala Rossini - Caffè Pedrocchi

Mercoledì 16 febbraio ore 17:30

Goliardi di ieri e di oggi

La Goliardia è un termine di oscura origine medievale....... che riappare alla fine dell´ottocento con "ordini" caratterizzati da divise, processi alla matricola e feste.....
Al Bò nascono i primi fogli studenteschi e fino agli anni 50 il Tribuno, capo indiscusso, è "eletto" a botte... ma poi si assiste all´evento della "democrazia".
Per fortuna nell´anno ´59 nasce la "Polifonica Vitaliano Lenguazza" che spande ed espande suoni e musiche nei cortili universitari e nei ritrovi cittadini.
In questi ultimi tempi a Padova si assiste ad una rinnovata vitalità  dell´ambiente goliardico attraverso la proposta di ordini, confraternite e gruppi ricchi di insegne e mantelli con l´intento di rievocare tradizioni non solo di riferimento storico e gastronomico.

L'occasione è "ghiotta" per assistere a seriose concioni tra:
Lino Bacchini Vicetribuno dell´anno ´55 (733 a. B.C.)
Leontino Battistin Tribuno 1962 (740°)
Agonia alias Giuliano Pellizzari Tribuno del 750° del Bove

Ed una schiera mansueta di goliardi, tribuni, duchi, scherani e gran maestri degli anni correnti....il tutto allietato da documenti e filmati goliardicamente permeati di storia.

Mercoledì 23 febbraio 2005 ore 17:30

La qualità  della sanità  e la libera circolazione degli utenti in Europa. Non spendere meno, ma spendere meglio.

La spesa sanitaria che nella UE rappresenta in media il 22% del totale della spesa per la Protezione Sociale, si compone di una quota pubblica e di una quota privata. In tutti i paesi i cittadini sostengono in proprio una compartecipazione più o meno consistente alla spesa. Vi sono oggi "questioni aperte" e "ipotesi di lavoro" sulle quali i vari relatori forniranno occasione di analisi: la domanda di prestazioni è contenibile? Il sistema persegue l´erogazione di volumi di prestazioni anziché obiettivi di salute? E´ ancora, un sistema di remunerazione basato sui risultati è un obiettivo perseguibile? E´ possibile responsabilizzare le professioni circa la definizione degli standard di qualità  dei servizi?

Partecipano:
Prof. Eolo Parodi Presidente nazionale ENPAM - Ente nazionale previdenza e assistenza dei medici.
Dr. Luca Munari, Direttore sanitario Ospedale Riguarda di Milano, Associazione Medicina a Persona.
Dr. Salvatore Albanese, Presidente nazionale Associazione Cilla.
Dr.ssa Donatella Croato, Centro medico di Foniatria di Padova.
Dott. Adriano Cestrone, Direttore generale Azienda Ospedaliera di Padova.

Modera l'incontro il Prof. Giampiero Giron, Ordinario di Anestesia e rianimazione, Università  di Padova, e Presidente Onorario Compagnia delle Opere Nordest.

 

 

 

 

Tutte le poesie di Vittorio Zambon

a cura di Giogio Ronconi
presenta Silvio Ramat

Cantore della terra veneta, Vittorio Zambon colpisce per la semplicità  del linguaggio, il decoro formale, la capacità  di suscitare emozioni di autentica poesia. Interresante anche la sua ultima esperienza rappresentata dalle Satire, componimenti dai toni vigorosi ed ironici, ma sempre garbatamente controllati, che invitano a riflettere sull'uomo e la società , sugli errori e le angosce del nostro tempo, con distacco e disincanto, non privo di amara rassegnazione.

L'attore Aberto Terrani darà  lettura di alcune poesie tratte dal volume assieme ai suoi allievi dell'Academia "Palcoscenico" Serena Iannizzotto e Giacomo Rossetto.

Martedì 24 maggio alle ore 18:00, Sala Rossini, Caffè Pedrocchi

Il libro riproduce, riunite insieme, le quattro precedenti edizioni delle sue poesie (apparse nel 1952, 1954, 1957 e 1965) e inoltre la raccolta Satire, edita postuma nel 1981.

Il poeta fu anche uno dei promotori del Premio Monselice per la traduzione letteraria, che ancor oggi lo ricorda intitolando al suo nome una sezione del Premio , riservata alle traduzioni poetiche degli studenti delle scuole superiori di Padova e Provincia.

Biografia

Vittorio Zambon (Villafranca padovana 1910 - Padova 1974) è stato uno dei protagonisti della vita culturale padovana dell'immediato dopoguerra agli anni settanta. Laureato in Lettere, ha insegnato Italiano e Storia in varie scuole cittadine e negli ultimi 15 anni all'Istituto Belzoni. Sono numerosi i suoi saggi e interventi critici, specie riguardanti la poesia, tra cui il volume dedicato al suo "maestro" Diego Valeri.

Quattro critici e studiosi d'arte in un incontro organizzato nell'ambito della mostra "Gino Morandis. Incanti della materia".


Giovedì 17 febbraio ore 17:30
Palazzo del Monte di Pietà  - piazza Duomo, Padova

Interverranno:


Virginia Baradel
Lo Spazialismo naturalista di Tancredi

Guido Bartorelli
Il "concetto spaziale" di Lucio Fontana e la sua continuità  nell'arte delle neo-avanguardie

Giovanni Bianchi
La ricerca dello spazio-luce nella pittura di Mario Deluigi

Alessia Castellani
Gino Morandis e lo spazio come sistema dialettico


Ingresso libero.